Miki Leal

                El 29 de Octubre de 2013, a las 20:00 horas asistimos a la inauguración de esta exposición de la mano de Miki Leal, que tuvo lugar en el CAAC. Comisariada por Sema D’Acosta, presentaba aspectos íntimos de la vida del autor desde su infancia, buscando sus comienzos y aquellos elementos que le hicieron cambiar como artista y persona.

Las obras se situaron en el Claustrón Este, la Capilla  y el Ombú. Como mencionamos en reseñas anteriores las amplias salas del CAAC presentan las piezas de forma agradable y haciendo amena la visita. Sin embargo, debido a que se trataba de la inauguración la multitud se hizo notar y, en más de una ocasión, resultó complicado detenerse en según qué lugares. No obstante, tuvimos la ocasión de visitar la exposición con más calma en una visita posterior que hicimos toda la clase. Las primeras obras que vimos en nuestra llegada hacían referencia a su niñez por lo que su presentación se hacía de modo cronológico. Veíamos pinturas con un retrato de su padre o la portada de uno de los cómics del oeste que solía leer.

                A lo largo del recorrido pudimos darnos cuenta de aquellos elementos que realmente son importantes para Miki Leal, ya sea porque evoquen sentimientos de su infancia o porque dieron pie a avances en cuanto a su carrera como artista. Por ejemplo, el juego del Tangram está presente en varias de sus piezas, tanto en pintura como en cerámica. Y cuando no está representado de una forma más explícita sí hay una cierta referencia a él, con elementos geométricos, por ejemplo.

                Personalmente, es una exposición para disfrutar con tiempo. Lo normal es poder detenerse a contemplar cada pieza para comprender del todo aquello que el autor ha querido expresar y esto se hace más necesario en este caso en concreto. Visto de un modo más amplio, si nos alejamos y vemos la exposición como conjunto, podríamos decir que las obras se agrupan por etapas conformando una línea temporal que marca los puntos más importantes de la vida del artista. Como ya hemos dicho, las piezas recorren la vida del autor desde su infancia hasta el día de hoy.

Un aspecto que no nos resultó cómodo y quisiéramos destacar (además se dio en algunas fotografías de Arte de Comportamiento e Imágenes Sociales del Cuerpo) fue el hecho de que muchas piezas tuviesen un cristal por delante. Probablemente sea el mejor medio para su presentación, (nosotros no somos expertos y lo comentamos desde nuestra humilde opinión), pero los reflejos en esa superficie dificultan el visionado de la pintura/fotografía. Las luces del techo, que proporcionan una luz muy buena a lo largo de la visita, se vuelven un incordio en algunos momentos, que impiden observar la pieza por entero, obligando al espectador a desplazarse o visionarla por partes.

Nos vemos!

Plato Combinado - Arte de Comportamiento e Imágenes Sociales del Cuerpo

           

             La mañana del 12 de Octubre de 2013, coincidiendo con nuestra visita a la exposición de Guillermo Pérez Villalta, dimos una vuelta por las obras que conformaban el plato combinado. Bajo el título Arte de Comportamiento e Imágenes Sociales del Cuerpo se presentaban más de dos centenares de obras. Entre los autores que exponían podemos mencionar a Pilar Albarracín, Pepe Espaliú, Carlos Pérez Siquier, Ana Mendieta, Daido Moriyama y Miguel Trillo. El nexo que estos artistas tienen en común es la temática de sus obras, ya sea porque traten sobre el arte del comportamiento (con obras como Rumba Rave Banquero, 2010) o el cuerpo como espacio de investigación social (como Rooms, de Dionisio González).

                Las obras se situaban a lo largo del recorrido del Claustrón Este y el Claustrón Norte del CAAC. Algunas se dividían por salas y otras se exponían en los pasillos. De cualquier modo todas estaban agrupadas según su autor. Esto, como hemos citado en reseñas anteriores, evita aglomeraciones innecesarias y hace más fluida y amena la visita.

                De entre todas las piezas que pudimos contemplar las que más llamaron nuestra atención (dando por sentado las pertenecientes a Daido Moriyama y Ana Mendieta, situadas al comienzo), por su formato o por su mensaje, fueron Rumba Rave Banquero, 2010; Rooms, Dionisio González (15 cajas de luz); y El pago de la deuda exterior argentina con maíz, el oro latinoamericano, de Marta Minujin, 1985-2012. La verdad es que la “oferta” era muy variada con lo que podía agradar a prácticamente cualquier visitante.

                En nuestra opinión, la exposición deja ver cómo funciona el ser humano como colectivo, en algunas obras apoyándose en el anonimato, y cómo se desenvuelve en el terreno de lo conceptual. Es decir, cómo es capaz el hombre de resolver un problema de pago de deuda exterior de la forma en que lo plantea Marta Minujin. Había obras más sencillas de entender o con un mensaje más claro o profundo y otras, como es el caso de Bailaré sobre tu tumba, que nos dejaron un tanto pasmados, como sin saber qué decir. En nuestra opinión lo ideal es buscar un grado de abstracción o de conceptuosidad suficiente como para que el espectador necesite de una reflexión para llegar al mensaje, pero no tan complejo como para que corra el riesgo de no comprenderlo. De igual modo, creemos que el mensaje debe tener “sustancia” o “contenido”, es decir, importante, y no algo banal, que te pueda dejar indiferente. 

Nos vemos!

Guillermo Pérez Villalta

      Fue la mañana del 12 de Octubre de 2013 cuando acudimos al Centro Andaluz de Arte Contemporáneo para visitar la exposición de Guillermo Pérez Villalta. El CAAC se sitúa en el Monasterio de la Cartuja, quedando una de sus entradas frente a la Pasarela de la Cartuja. Como dato adicional debemos mencionar, para los bolsillos más sensibles, que la entrada es gratuita los sábados.

Guillermo Pérez Villalta nació en Cádiz en 1948. Debe saberse que, ya sea por la importancia sentimental o por la importancia de la pieza en su carrera como artista, Pérez Villalta conserva un gran número de sus obras en propiedad. En Souvenir de la Vida deja pasar al espectador a este rinconcito privado para mostrar estas piezas que tanta importancia tienen para él. Pérez Villalta no se limita a una técnica o soporte. Trabaja pinturas, dibujos y esculturas con la misma fuerza que lo hace en el terreno de la arquitectura. Presenta también distintos elementos de su vida íntima, tales como documentos y objetos personales.

El CAAC puede parecer un laberinto a primera vista y para el ojo nuevo. Ese fue nuestro caso personal. Hacía años que por desgracia no pisaba aquellas salas y cuando llegué a hacerlo nunca fui consciente del verdadero espacio que abarca. Así que cuando aterrizamos allí la mañana del sábado casi nos vemos desbordados por tantas cosas para ver. Sin embargo, la disposición ordenada de las piezas facilita la comprensión total de la obra del autor sin que llegue a producirse un exceso de información en el espectador. Vemos las piezas ordenadas por técnicas y por las etapas de su vida en las distintas salas.  

                Lo que más nos llamó la atención fue una obra titulada Meditaciones Metafísicas, de 1964 (la cuál no he encontrado en Internet). Se trata de una pintura al óleo sobre madera con unas dimensiones de 100x145 centímetros. Las texturas y relieves supusieron elementos llamativos para nuestro ojo que, al ver la pieza más detenidamente, fue descubriendo los pequeños detalles que la componían en su totalidad. Sí es cierto que, debido a la gran cantidad de obras que se exponían, si bien no se produce ese exceso de información que mencionábamos, sí podía resultar un tanto pesado y repetitivo en ciertas ocasiones (las menos, eso sí).

                La exposición de Pérez Villalta fue un viaje a su vida personal y a la trayectoria de su carrera. Algunas partes nos hacían incluso rememorar nuestra propia infancia, como sucedió con la zona en la que el autor presentaba algunos de sus juguetes. La sensación que captamos es la de un autor que ha trabajado durante toda su carrera como artista, haciendo lo que más le apetecía en cada momento y con la técnica que más gratificante le era. Esto, claro está, son nuestras deducciones personales.

                Concluiremos diciendo que, en resumen, se trata de una exposición larga pero no densa. Una exposición para disfrutar de los detalles y donde cada uno puede encontrar un rincón de la vida del autor en el que se sienta más cómodo: en las acuarelas, la escultura, el óleo, etc. La ambientación del CAAC hace que, además de disfrutar de la obra de Pérez Villalta, podamos recrearnos en los edificios y la decoración del Monasterio de la Cartuja.

En el siguiente enlace de la página del CAAC podemos ver más información sobre el autor y su obra, así como descargar documentos informativos sobre los mismos: http://www.caac.es/programa/gpv13/frame.htm

Nos vemos!

Laura Zorrilla

         El viernes 4 de Octubre de 2013 acudimos a la Sala El Cachorro con motivo de la inauguración de la exposición de Laura Zorrilla. La sala en cuestión se encuentra en la Calle Procurador, Nº 19

A pesar de tratarse de una autora joven, Laura ha viajado mucho, como deja ver en otras exposiciones como Karibú o Namasté. Compañera de 2º de fotografía artística, presentó fotografías pertenecientes a su serie Espejos, trabajo que está en crecimiento.

En lo relativo a lugar de exposición debemos decir que, a pesar de estar un tanto distante de los principales medios de transporte, proponía un espacio bastante amplio y cómodo para la cita que se tuvo lugar. En el salón principal del establecimiento, a la derecha de la entrada, se situaron las fotografías a lo largo de las paredes hasta culminar con varias copias de mayor tamaño al fondo, sobre una tarima. Como decimos, el espacio ofreció un buen servicio a la obra, con el añadido de disponer de un patio en el que poder tomarse algo durante la estancia.

La primera impresión que sufrimos al contemplar una visión general de la obra fue un tanto caótica. Se debió a la cantidad de pequeñas imágenes que la componen, a modo de tiras de negativos. Cada una de las tiras mostraba a un primer plano o plano medio corto de un sujeto, aparentemente desnudo, al que le “intervenía” una o varias manos de origen desconocido. Las imágenes de mayor tamaño pertenecían a varios cuerpos desnudos, hombre y mujer, que tenían un espejo por rostro. Si bueno era el espacio mejor es el uso que se le dio, en nuestra opinión. A pesar de llegar a haber una pequeña multitud en el local en cualquier momento podía accederse con cierta facilidad, dentro de lo que cabe, a las distintas fotografías. EL hecho de situarlas a cierta distancia las una de las otras ayuda a evitar aglomeraciones que impidan su visionado.

Por lo que pudimos entender, la serie Espejos hace referencia a la imagen que proyectan estas superficies especulares, una imagen que, si bien debería ser exacta no lo es del todo. Lo que a nosotros nos ha dado a entender es que esa imagen, ese yo que vemos reflejado, si bien es un reflejo de nosotros mismos puede no ser lo que esperamos ver. A nuestros ojos, la obra de Laura Zorrilla tiene un fuerte carácter de introspección, de reflexión hacia nuestros adentros, hacia cómo somos y cómo nos vemos a nosotros mismos.

A continuación dejo la dirección del blog de la autora: www.laurazorrillafoto.blogspot.com

Nos vemos!

"Erase una vez..." - Juan Sin Miedo

"M de Muerte y no de Miedo..."

"Porque M era La Muerte y como Muerte no tenía miedo."

"Cuando llegaba ..."

"...ponía punto y final, ..."

"...y solo dejaba silencio."

"Era incansable y, pese a lo que muchos decían, justa."

"Nunca discriminó entre edades..."

"...etnias, clases sociales o religiones."

"Rápida, infalible, incansable..."

"e imparable, excepto ..."

"...por aquella a quien más odiaba: "

"la propia Vida."

"Algún día tendrá que irse -pensaba M para calmarse-"

"Y fue entonces cuando comprendió que él también sucumbiría algún día a la No Existencia."

"Y por primera vez desde que tenía consciencia, en lo que dura un suspiro, La Muerte sintió miedo..."

Es una versión bastante libre pero espero que os haya gustado! 

Nos vemos!

Velocidad Lenta - Fisiogramas

Dejo los fisiogramas. Después de muchas pruebas (y desastrosas) pude sacar las que buscaba. Más de una se me han resistido, pero ya las sacaré más adelante... Todas tienen ajustes en Camera Raw, sobretodo en cuanto a la temperatura de color y al matiz, para añadirle "vidilla" y más fuerza.También jugué un poco con la exposición en distintas zonas para "moldear" un poco el resultado para equilibrarlo.

Nos vemos!

Frank Gamiz

Comienzo a subir las reseñas de las exposiciones que he visitado.

      

         El pasado 17 de Octubre de 2013 asistimos a la inauguración de una pequeña exposición de Frank Gamiz, que tuvo lugar en Red House, en la calle Amor de Dios.

         Para ir entrando en materia hablaremos un poco sobre el autor. Frank Gamiz, de nombre Rubén, nació en Barcelona en 1976. Ha trabajado en los últimos años tanto en pintura como en diseño y, ahora en la fotografía. Se licenció en pintura en Sevilla y hoy día trabaja en su doctorado.

En su obra la mujer juega un papel fundamental, ya que la figura femenina es usualmente el objeto principal de su trabajo. Su obra Instant Nudes es una recopilación de imágenes tomadas con polaroids que muestran cuerpos desnudos de gente anónima que ha posado para el autor. Lo curioso del caso es el medio en que se toman las fotos pues, la gran mayoría si no todas, están realizadas en cuartos de baño de bares y locales. Este trabajo, a pesar de poseer una gran cantidad de desnudos en distintas poses, más o menos provocadoras, lleva a cabo una abstracción del sentido erótico o provocador que dichas imágenes podrían transmitir. Se trata en el fondo de una especie de performance. Entre las distintas fotografías podemos encontrar imágenes más íntimas, explícitas, desenfadadas, espontáneas o más intencionadas.

La inauguración, como hemos comentado, se llevó a cabo en Red House, en la calle Amor de Dios, en Sevilla. La obra en sí estaba agrupada en tres grandes bloques de polaroids, enmarcados como si de una sola imagen se tratase. Cada uno de los bloques contenía las imágenes tomadas en lugares distintos. Así, podíamos ver todas las fotografías que se habían realizado en Madrid, todas las de Barcelona y todas las de Sevilla. Cada una se tomó con papeles de distintas calidades, dando como resultado un aspecto visual diferente.

Si bien la obra en sí no era muy extensa la ubicación que se le otorgó no fue del todo acertada a nuestro juicio. Los tres grandes grupos se situaron en una lugar muy visible (punto a favor) pero en un estrecho pasillo formado por el mobiliario del bar. Como resultado, una vorágine de gente apelotonada para ver las imágenes y unos desubicados clientes que no entendían qué sucedía a su alrededor.

               

          Lo que más pudo llamar nuestra atención, sin duda, es la espontaneidad con que las personas posan desnudas frente a la cámara. Es decir, siempre se piensa que “eso lo hacen otros”. Pero viendo las imágenes y atendiendo a las explicaciones del artista nos dimos cuenta de que son personas “normales”, en el sentido de que no son actores, ni gente que se dedica a eso. Sino alguien como cualquiera de nosotros que un buen día posa para el fotógrafo en u baño.

El hecho de que el autor estuviese presente y se mostrase amable al responder a las dudas o dar explicaciones es un punto a favor de la exposición. La información de primera mano del autor de la obra es un bien muy preciado que no siempre está disponible. Es el punto de vista directo desde la fuente.

         Para nosotros, como hemos comentado, la exposición nos transmitió una sensación de exhibicionismo, erotismo y sensualidad arrancadas de las imágenes, al mostrarse agrupadas unas de otras. Quedando tan solo un “catálogo” de poses espontáneas de gente corriente. La idea es muy acertada aunque el impacto inicial que se siente al contemplarla por primera vez es irremediable.

       

 Aquí os dejo la dirección de su web: http://frankgamiz.com/

Nos vemos!

Reflejo Especular

Aquí llega el ejercicio que peor va a venir para mi vida social. A partir de un retrato con fondo neutro y de frente formo 2 rostros con el mismo lado de la cara.
La imagen original es esta (pasemos por alto el atractivo del modelo):

Con dos lados derechos

 Con dos lados derechos (este no está del todo mal, ¿no?)

Intentaré persuadir a otros modelos y aplicar una luz más favorecedora...
Nos vemos!

Histograma

Para este ejercicio tomamos una imagen en RAW como punto de partida y variaremos su exposición en valores de medio punto para ver los cambios que se producen en el histograma. 

Comenzaremos viendo las fotografías desde la más subexpuesta hasta la más sobreexpuesta.

 Exposición  - 1,50 

Exposición  -1

Exposición  -0,50

Exposición  0

Exposición  + 0,50

Exposición  + 1

Exposición  + 1,50

Puesto que entre el medio punto y el punto completo apenas se apreciaban cambios en el histograma decidí añadir un poco más por ambos extremos. 

Nos vemos!

Modos de Medición

Aquí están los modos de medición!

Las tres fotografías están tomadas por la mañana. En el baño, cuando la luz entra por la mañana da de lleno en parte del lavabo y crea dibujos al reflejarse parcialmente en el espejo. La medición en las tres imágenes está hecha en la zona de sombra, en línea con el ángulo que se forma en la zona de luz. Los nombre con que denominamos aquí las tres mediciones corresponden al nombre común y al del manual de Canon.


Medición Matricial o Evaluativa: hace una media de toda la luz que hay en la escena.

Medición Promediada con Preponderancia Central o Ponderada al Centro: toma como referencia el centro de la escena y hace una media con la zona de alrededor.

Medición Parcial o Puntual: la más exacta. Mide la luz de la zona central únicamente, con lo que, si equilibramos el exposímetro, esa zona tendrá un gris medio del 18%.

Nos vemos!